Master Class de Denis Villeneuve sobre ‘Dune’: “Este proyecto ha sido el mayor reto de mi vida”

*Traducción y transcripción por Kobato.

Como parte de las actividades del pasado Shanghai International Film Festival, el director Denis Villeneuve ofreció una Charla Magistral de casi una hora de duración sobre su rodaje y finalización —aún en ascuas— de ‘Dune’.  Desde Montreal, el cineasta canadiense conversó en cámara —en una Master Class vía streaming—, con la periodista Tanya Lapointe, además de autora de ‘The Art and Soul of Blade Runner 2049’ y ‘The Art and Soul of Dune’; acreditada como productora en IMDb de ‘Dune‘ y, valga la anotación, pareja del director.

En NerdNews transcribimos y tradujimos está charla disponible en YouTube, para que puedas saber de primera fuente, en qué etapa va la realización de esta esperada superproducción.

Denis Villeneuve es considerado por críticos y aficionados como un temerario, y eso se reafirma con su ambicioso y complejo proyecto de adaptación de la novela ‘Dune’ de Frank Herbert.

Sin embargo, lo que el grueso de ese público no siempre sabe es que Denis Villeneuve estaba destinado a trabajar en esta película desde que era un niño, cuando era un pequeño tremendamente asustado del mundo, que inventaba historias para lidiar con sus ansiedades. “(…) lidiaba con muchos miedos y le tenía mucho miedo al mundo. Y mientras me iba a dormir, la única forma en que podía dormir era comenzar a diseñar historias en mi mente y comenzar a crear mundos para ir cada noche” dice el director, quién además nos cuenta sobre el proceso de filmación de este gran proyecto, de sus influencias, de su relación con los CGI, entre otras cosas muy interesantes que llenarán aquellas esquinas desconocidas de un talentoso realizador.

—Estamos ahora en Montreal, y trabajas en ‘Dune’ de forma remota como todos hasta ahora. ¿Cuál ha sido el impacto de la pandemia en tu proceso?

Así es, estoy trabajando en ‘Dune’ ahora. La película estaba casi terminada y casi terminamos de filmar. ‘Dune’ es en lo que estoy trabajando ahora y ha sido hecha de forma inusual; hicimos las tomas importantes y edité esa parte de la película. Planeaba volver a filmar otros elementos de la película después porque quería hacer algunos ajustes. Necesitaba tiempo y es un lujo que tuve ya que, en su momento, no sabía que habría una pandemia. Cuando el virus llegó a EEUU, estábamos por regresar a esos elementos así que el impacto fue en mi calendario y tendré que correr para terminar la película a tiempo. Nos permitieron volver a filmar esos elementos en unas semanas, pero se suponía que lo haríamos antes. Significó además que debimos finalizar algunos elementos de la película como la edición o efectos especiales estando en Montreal al tiempo que mi equipo está en Los Ángeles.

Puedo decir, como director que hay algunas cosas que se pueden hacer de forma remota gracias a la tecnología, como toda la supervisión del equipo de efectos especiales, que fue algo muy sencillo, y me sentí muy cómodo haciendo esto, pero editar, creo que la lección principal para mí es que pensé que podría ser sencillo hacerlo a la distancia, mis editores estaban trabajando virtualmente, a distancia, pero editar es como hacer música con alguien y necesitas estar con esa persona en la habitación. Hay algo importante en la interacción humana como la espontaneidad, la energía y eché de menos no estar en la misma habitación que mi editor.

Como artista, no estar en la misma habitación que mi editor es algo muy doloroso y eso es porque el editor al trabajar la película es como un psiquiatra porque lidia con mi ansiedad, mis ataques de pánico, mis miedos y mis alegrías. Creo que, en el futuro, en el caso de que algo así pase de nuevo, me aseguraré que mi editor esté cerca de mí. La edición es algo muy importante del proceso para mí, posiblemente la parte más importante. Es el momento en que reescribes la película de algunas maneras pues la filmación, la edición y la escritura es algo que mejora la historia. Porque, con la edición, hay algo en el hecho de que tienes todo el alfabeto delante de ti. Todas las palabras están definidas, tienes todas las imágenes y allí no tienes que luchar contra la luz del sol, o los vientos de nuevo, sobre el dolor de cabeza de un actor, es como allí bien, tienes todos los elementos y hay tanta creatividad. Es increíble cómo puedes transformar las cosas, cómo puedes crear un miedo, alegría, tensión, en el montaje. En la sala de edición es algo que… por eso estoy un poco traumatizado por trabajar lejos de mi editor.

También estás trabajando con el compositor Hans Zimmer y mencionó de la intimidad de la creatividad es algo muy importante porque también estás trabajando a distancia con él.

Es lo mismo con el compositor y el reflejo, es que estamos trabajando juntos y las películas también sufren. No es que no lo estemos, pero es verdad. Es como cuando escuchas música o a alguien cantando. Sientes el lenguaje corporal, sientes la energía de la persona que está a tu lado, lo entiendes. Hay cosas en las que no pueden mentir, hay cosas que hay algo “uh” que hay un “um”. No es sólo un proceso intelectual. Es la intuición. Es como una percepción, puedes sentir que hay cosas. El impacto de la película o el impacto de la música cuando estás en la misma habitación, por eso es tan importante para mí cuando la edición está tan avanzada y la película está casi terminada, editar las películas casi terminadas para mostrárselas a la gente a una audiencia real y sentarme con ellos. Es genial que aprendas tanto haciendo esto. Algo que no miente, ves la fuerza, ves el poder de la película. También ves las debilidades y tienes que ser humilde y es muy doloroso para el ego, pero por eso mismo, es necesario pasar por este proceso. Te dice muchas cosas y no puedes hacerlo de manera remota.

— ¿Pero ha resultado bien con los efectos especiales?

Sí. La cosa es que, una de las claves es porque estoy trabajando con un maestro: Paul Lambert (‘Blade Runner 2049’) que tiene una sensibilidad muy similar y la cosa es que el VFX es un proceso. No es que no sea tanto editar como tocar música juntos. El VFX es más un proceso en el que respondes a algo que estás viendo y luego cuando das instrucciones y luego vuelve una o dos semanas después así que… Es realmente un proceso en el que es bueno tener una mente fresca. Es bueno tener una distancia porque necesitas esa distancia para tener una reacción espontánea. Así que fue un éxito.Necesitas el equipo adecuado pero fue bastante bien hasta ahora, diré que el trabajo que estamos haciendo en ‘Dune’ ahora mismo.Tengo la mejor tripulación del mundo y estoy muy orgulloso. Es algo que me animó de una manera que tenemos… uh, tuve reuniones con mi tripulación de VXF en una base diaria. Sí, tenemos esas reuniones, una hora de trabajo todos los días por internet.

Y es algo que he estado viendo en casa, compartiendo con ellos, las mismas imágenes, en las proyecciones profesionales y es un proceso que me ayudó a pasar por la pandemia viendo como las tomas están evolucionando viendo todo el trabajo que ha sido hecho por todas esas personas que están esparcidas un poco por todo el mundo, sabes. Porque todos esos artistas VFX estaban como en Vancouver o Los Ángeles, Montreal o algunas personas en Europa y en Asia; en todas partes. Así pude ver todos los esfuerzos humanos que, cada individuo del equipo hizo desde sus hogares, pero desde mi casa.

LA DUNE DE HERBERT

—Vamos a sumergirnos en el mundo de ‘Dune’ con la adaptación de la novela de 1965 escrita por Frank Herbert ¿cómo acabaste dirigiendo la película? ¿Y qué pensaste de la presión y el desafío que viene con este proyecto?

La verdad es que este libro llegó a mis manos cuando tenía 13 o 14 años y fue por coincidencia. Yo era un adolescente y recuerdo la primera vez que vi la portada del libro en la biblioteca. Y adoraba leer esos libros, siempre buscando nuevo material. Como era muy bueno en ciencias, comenzaba a sentirme maravillado por la ciencia-ficción y me sentí atraído por esa portada con ese hombre con esos ojos azules. Aún lo tengo. Es el libro original,  y lo recuerdo. Recuerdo leer la contraportada y me golpeó, me sumergí en el libro y lo devoré. Me leí todos los libros de la saga, y este mundo… su complejidad, su belleza, la riqueza de sus culturas, la forma en que describen todo contando la historia de un chico que dejaba este mundo, adaptándose a una nueva realidad teniendo la humildad de abrazar esta nueva cultura para ver su desarrollo y sobrevivir esos ambientes. Eso me conmovió mucho. Y también para un niño yo estaba como, pensé que era lo peor que el libro estaba diciendo acerca de la política, de la economía del mundo, están tratando con la explotación de los recursos naturales, destruyendo el medio ambiente. Y para mí era un libro muy complejo y poderoso que cuenta una historia universal. Es muy fuerte y aborda temas muy complejos que importan en los mismos tiempos.

Honestamente, se convirtió en mi libro favorito de la época. Me encantó profundamente. Me sentí totalmente enamorado y se quedó conmigo a través de los años y se quedó como una especie de… algo como un sueño. Me decía a mí mismo un día: Me encantaría llevar esto a la pantalla.Cuando empecé, y por supuesto en el momento en que empecé hacer películas, estaba en Canadá con presupuestos más pequeños, la ciencia ficción estaba fuera de mi alcance. Pero cuando aterricé en Hollywood, empecé a hacer películas con mayores presupuestos y la gente no dejaba de preguntarme cuál sería el proyecto de sus sueños. ¿Qué te gustaría hacer? Y yo seguía diciendo que me encantaría hacer ciencia-ficción y mi objetivo era hacer ‘Dune’ y por casualidad Mary Parent y Kell Boiter de Legendary, consiguieron los derechos y me llamaron. Probablemente fue el encuentro más corto que he tenido en mi vida. Dijimos “hagámoslo”. Es como si desde el principio sintiera que teníamos que compartir la misma sensibilidad sobre el libro y lo que debería ser la historia. Fue una colaboración muy estrecha y este proyecto ha sido el mayor reto de mi vida.

— ¿Tuvo influencia en otras películas que has hecho a lo largo del tiempo?

Diré que aumentó el deseo de estar en contacto con la infinidad del desierto. La forma en que Paul (Atreides), hay algo en el desierto donde el impacto del vacío en el paisaje, el impacto del silencio que trae, se convierte más en un viaje interno, se convierte más en un viaje subconsciente, por lo que significó para el personaje, ir a lo profundo del desierto, y nos vamos a adentrar más en él. Eso es algo que está en el libro y a través del libro, lo entendí. El impacto del paisaje en el alma humana y lo intenté en mi anterior trabajo, mi primera película es sobre un hombre y una mujer que se enamoran en medio del desierto o que, de hecho, no se enamoran en medio del desierto. No es una coincidencia. Es todo lo que está relacionado con el deseo de ver el impacto del paisaje en los humanos, la emoción que la naturaleza provoca en nosotros y creo que en mi primera película hay una duna en el mar, en una película que rodé en Jordania, mi primer largometraje, una adaptación de ‘La mujer que cantaba’, obra de teatro escrita por Wajdi Mouawad. Es una película que abarca un poco del desierto y mientras filmaba ‘Incendies’ en Jordania, lo recuerdo porque había explorado el lugar. ‘Incendies’, es una película que se desarrolla en una especie de movimiento en un extraño país de Oriente Medio, un país que no existe, pero que intenta representar lo que debería ser, el Líbano en un cierto periodo de la historia. Al pasar por Jordania, paseé por todo el lugar, y descubrí Jordania, y mientras veía el desierto por allí, recuerdo que me dije que posiblemente no era un buen lugar para hacer ‘Incendies’,  pero a la vez, que sería insanamente hermoso para ‘Dune’. Y un día, si alguna vez hago ‘Dune’, volveré aquí y lo hice…así que, ‘Dune’ ha estado presente, de alguna manera, en mi trabajo desde hace mucho tiempo.

EL CAST

—Hablemos del proceso de casting y el trabajo con los actores ¿Cómo lo haces? El proceso de casting, de la calidad particular que buscas en un actor y si pudieras usar ‘Dune’ como ejemplo, pero también otras películas…

El casting es algo muy estresante para mí, pero a la vez muy emocionante. Hay mucha tensión porque necesitas encarnar un personaje que le dé vida y palabras a un personaje, más importante, que para encontrar musas necesitas encontrar personas que desencadenen las ideas dentro de ti y personas que desencadenen tu creatividad. No fue un proceso fácil para ‘Dune’. En realidad fue un proceso largo, pero al mismo tiempo muy interesante porque me encanta que la mayoría de mis primeras elecciones estuvieran disponibles y listas para saltar al proyecto. Debido a la naturaleza del proyecto por ‘Dune’, sabes que es una saga como una especie de leyenda. Y la gente estaba tan convencida de que no era difícil convencer a la gente para que se subiera a bordo.

Timothée Chalamet fue mi primera elección al principio. Sólo había un Paul Atreides ahora mismo para mí y había un nombre en la lista.

Conocí a Thimothée y ambos acordamos espontáneamente que trabajaríamos juntos. No fue difícil convencerlo, por varias razones: primero, es un actor fenomenal, tiene mucha profundidad, alguien muy maduro para su edad, porque Paul Atreides es toda un alma en un cuerpo joven y lo necesitaba. Timothée como que en primer lugar, se ve mucho más joven de lo que es. A veces miro en la cámara y se ve como de 15 años de edad. Es muy impresionante que de joven se vea hasta los 23 años o algo así. Eso fue muy útil porque tenía en los ojos algo más viejo y ya… habrá alegría por su edad. El contraste es muy importante y también tiene características que me recuerdan a las estrellas de cine de la vieja escuela de Hollywood. Es una verdadera estrella de cine, tiene ese carisma loco, si pones a Thimothée frente a una cámara, es una explosión, la cámara lo agarra con facilidad, necesitaba ese carisma, porque Paul, en un principio, es un hombre joven y se elevará para convertirse en un líder, en un portador. Sí, yo necesitaba alguien que tuviera el carisma de un líder y a la vez, la capacidad de ser inesperado: que sabe algo y actuar como que no lo sabe, pero a la vez ser una estrella de rock. Necesitaba a alguien capaz de interpretar las distintas capas que posee Paul.

Podría hablar de cada uno de los actores, pero tardaría unas tres horas en hacerlo. Trataré de hablar de algunos más.

Hubo muchos actores como Jason Momoa que fue elegido por una razón, porque quiero decir, Jason tiene una muy buena relación con la aventura y posee una elegancia en la pantalla y al mismo tiempo tiene esa fantástica sonrisa y ese loco carisma en la cámara que es como un bailarín de ballet cuando lucha, por lo que retrató a uno de los mejores luchadores de la galaxia, Así que necesitaba ese tipo de elegancia de caballero y de bravuconería y sentido del humor. Jason fue el héroe perfecto para la oportunidad. A la hora de trabajar con Josh Brolin, él es un actor con el que he trabajado en el pasado y quería volver a trabajar con él.Le quiero como actor y como poeta e interpreta a Gurnley Halleck, que es un luchador y un poeta gruñón. Y aunque su personaje sea gruñón será un poco crudo, hay algo que necesitaba que entendamos. Es el mejor amigo de Paul y necesitaba ese carisma y quería trabajar con Josh de nuevo porque es fenomenal.

También quería trabajar con Oscar Isaac, porque encaja totalmente en la descripción del ‘Duque Leto’ (Atreides) y es uno de los mejores actores que trabajan hoy en día, así que estaba deseando trabajar con él. Está Stephen Anderson que interpreta a un ordenador humano. En ‘Dune’ no hay más ordenadores, los humanos están decididos a dejar de lado los ordenadores y en su lugar trabajar con sus cerebros, lo que creo que deberíamos hacer. La cosa es que yo quería a un actor que tuviera mucha inteligencia en los ojos y que al mismo tiempo fuera como un osito de peluche quería, la espontaneidad con la que amamos a Stephen (McKinle), queremos abrazarlo cuando lo vemos en pantalla.

Una actriz que, elegí espontáneamente de inmediato después de Timothée, fue Rebecca Ferguson, por muchas razones. Es una artista increíble Necesitaba una actriz que fuera capaz de retratar las diferentes capas de un personaje tan complejo para interpretar, como es la Dama Jessica (Integrante de la Orden Bene Gesserit, concubina de Leto Atreides). 

Con Charlotte Rampling quise trabajar por mucho tiempo, y lo cual llega algo legendario  para mí, fue trabajar con Stellan Skarsgård, uno de mis actores favoritos. David Dastmalchian es un viejo amigo mío y quiero que participe en todas mis películas porque lo amo profundamente y su forma de crear personajes.

Con Dave Bautista, es lo mismo. Trabajé con él en ‘Blade Runner 2049’ y no pensé en nadie más para interpretar a Rabban la Bestia y Dave… es el humano más dulce de la tierra, pero es tan aterrador que pensé que sería perfecto para el papel, es un actor que me conmueve profundamente. Con Chang Chen es un actor que sigo desde Wong kar-wai en los ’90 y siempre me ha conmovido profundamente por su naturalismo y es uno de los mejores actores de hoy en día.

— ¿Cómo fue trabajar con él? Y con los actores en general. ¿Cómo se dan las notas? ¿Cómo los diriges una vez que estás en el set?

Hay dos cosas primero. La preparación es muy importante, todo el trabajo intelectual que tengo que hacer antes del rodaje.

Me encanta pensar que, en un mundo perfecto, asegurarme con la idea de que todo está claro y los diálogos y las escenas también. Desde un punto de vista intelectual, todas esas discusiones,se deben preparar, así que, en como estoy haciendo, respecto a la preparación de la película: tengo reuniones con los actores,hablo con ellos acerca de los personajes la lógica y hacer cambios.Y no le tengo miedo a hacer los cambios.

Si creo que un actor tiene una mejor idea en la preparación y sobre el flujo de diálogos, los diálogos, muy a menudo las cosas son y es normal porque tienes que transmitir estas ideas en una pantalla en una página, pero cuando ves a un actor, y miras a sus ojos y sólo en sus ojos, a veces las cosas se pueden transmitir de una manera nueva. Así que es un proceso natural que hago con los actores, cuando estos son toda la parte intelectual se hace cuando estoy en el set, trato de centrarme realmente en la visceralidad de la escena sólo siendo las emociones y dirigiéndose a través de su camino emocional.

Y trato de no ser demasiado cerebral porque siento que está en el camino de las emociones y siento que al final del día estamos viendo a un ser humano que evoluciona a través de una escena, y el impacto de esa escena en este humano que la mayoría de las veces, están ahí desde un punto de vista personal, las ideas están ahí porque han sido instaladas en la escena por el actor. Mi manera de trabajar es que trato de dar al actor tanto como el espacio es posible.

Me gusta asegurarme de trabajar en lugares reales, tanto como sea posible. No es que no prefiera el CGI, sólo creo firmemente que, el escenario debe tener un impacto en el proceso creativo de los actores. Qué sepan que hay una puerta allí, que hay un sofá, el color de la habitación, la luz interactuando con la luz. Si hay plantas, son todas las cosas que desencadenan las ideas en la imaginación. Creará una tensión dentro de él, creará presión o lo contrario de la libertad, entonces estoy allí para observar,y cuando estoy en el set, escuchar las ideas desde un principio. Necesito ser un buen oyente para escuchar al actor para ver cuál es su intuición, a veces tienen muy malas ideas y yo simplemente las descarto y a veces llegan mejores ideas que las mías. Y luego trato de escuchar y tiendo a ver que es un equilibrio que estoy tratando de alcanzar. Algunos actores o actrices también tienen mejor intuición. Es normal… Es un proceso. Es una inspiración que no puedes, no es la ciencia. Es como algo que debes ser sensible y pensar que un buen director es alguien que sabe escuchar bien.

Creo que cuanto más dirijo a los actores, más siento que, hay que dejar una ventana de libertad, que tienes que permitir ese espacio, porque ahí es donde a veces hay una idea muy poética de que pueden llegar al día y que honestamente, creo firmemente en eso. Sí, así que no hablo necesariamente de improvisación, sino que hablo de espacio para crear.

INFLUENCIAS

—Si repasamos tu carrera en un sentido más general, ¿hubo algún director que marcó un rol vital en ti como cineasta? ¿Estas películas han sido orientadas desde ti mismo? ¿Hay películas que han influenciado tanto tu vida, que las has traído aquí?

Hay una docena de cineastas que me impactaron. Muchos. Y es como que cambió el curso de mi vida. Uno de los primeros cineastas que descubrí y que aún hoy tiene un impacto en mí es Steven Spielberg.

Descubrí por qué, porque yo era de un pequeño pueblo donde la mayoría de las películas que llegaban a la pantalla grande eran películas americanas, y había algo diferente en ciertas películas y me di cuenta de que había un nombre adjunto a ellas. Ese nombre significaba que esta película tendría cierta calidad, que tendría cierta sensibilidad, y que esa persona tenía un trabajo y ese trabajo era ser director, y su nombre era Steven Spielberg.

Y cuando me di cuenta de que empecé a ver, el ‘making of’ y a entender la fuerza del poder de ese trabajo, y a través de Spielberg, una de mis primeras películas favoritas fue ‘Encuentro cercano del tercer tipo’. Y en esta película, Spielberg tenía el personaje que fue retratado por François Truffaut,  que es un director francés. Descubrí una nueva ola francesa a través de los extraterrestres… Quiero decir, ‘Encuentro cercano del tercer tipo’ es una película sobre alienígenas y acabo de descubrir a ese director francés que fue parte del movimiento cinematográfico más importante de la historia del cine: ‘La Nueva Ola Francesa’.

Descubrí a François Truffaut, a Jean-Luc Goddard. En las películas de Truffaut había una sensibilidad, este amor por los seres humanos. Hay algo sobre el amor en las películas de François Truffaut. Es un director que para mí es alguien que tiene una especie de empatía que amo profundamente.

Y de Spielberg, por supuesto, creo que aún hoy es el mejor director vivo de la industria cinematográfica, es un genio; cómo puede diseñar una escena y crear una escena con actores, y el trabajo de cámara es tan inteligente e impresionante. Todavía hoy reviso sus películas muy a menudo. Es muy impresionante. Luego de François Truffaut descubrí a Godard, que es un director que es todo inteligencia, juguetón, provocación, y el deseo de provocar.

Era un hombre joven, quería ser arrogante, así que me sentía interpretado con su cine. Descubrí muchos directores a través del tiempo, pero los otros dos que me impactaron fueron Stanley Kubrick por razones obvias.  Cuando descubrí su cine, un nivel de precisión, pureza y equilibrio entre emociones e inteligencia, la poesía cinematográfica de Kubrick está en algún lugar del cielo.

Y el otro, es Ingmar Bergman. Él para mí fue un masivo choque estético. Bergman por la forma en que fue capaz de acercarse al alma humana, la forma en que fue capaz de llegar a lo profundo de la conciencia humana, y su honestidad sobre la humanidad.

Y hay muchos otros como Ridley Scott, para mí, ‘Blade Runner’ fue como un gran y masivo choque estético, y creo que en francés llamamos ‘plasticista’ a alguien que es capaz de crear el mundo visual. Creo que Scott con Kubrick es probablemente los mejores,están de pie en otra galaxia, para mí es realmente muy fuerte.

También hay toneladas de tipos contemporáneos que admiro profundamente en este momento. No hablo sólo de directores franceses como Jacques Audiard, uno de los mejores directores de hoy, también del griego, Yorgos Lanthimos.

Christopher Nolan, creo que es alguien que está fuera de alcance, alguien que siento que es capaz de hacer cosas que pocos directores son capaces de hacer, de trabajar a nivel de tamaño de los proyectos y capaz de mantener su identidad viva. Soy probablemente el mayor, mayor fan de Christopher Nolan en el planeta en este momento.

Realmente hay muchos directores, pero hay uno que cuando hablo con una cámara siempre está conmigo; dos directores de hecho, sus nombres son: Pierre Perrault y Michel Brault. Son directores franco-canadienses de Quebec, directores de documentales.

Hicieron documentales en los años ’60 y ’70 en Quebec que me impactaron mucho. La gente verá sus películas y dirá que no tienen nada que ver con lo que hago. Es verdad, estoy muy, muy lejos de ellos, pero todavía hoy, siento humildad en la relación con la naturaleza, una voluntad de abrazarla, y de intentar sacar poesía de ella, y hay una sensibilidad en su película con la que sigo intentando mantenerme en contacto que todavía, hoy en día, trabajando en Hollywood, diré que Pierre y Michel, todavía están cerca de mí cuando trabajo, incluso si sé que odiarían lo que digo ahora, porque no les gustaba nada el cine de Hollywood. Odiaban Hollywood. No creo que les gustara mi película, pero los amo profundamente y tuvieron una gran influencia en mí.

— ¿Recuerdas la primera vez que viste una imagen de una película que quisieras hacer? ¿Cuándo nació el cine para ti?

Sí, pero antes de decirlo, muy a menudo la gente me pregunta cuáles son los cineastas que me han impactado mucho y siempre olvido la verdadera respuesta porque los cineastas me impactan profundamente. Nombraré dos: André Turpin, era joven en ese momento, joven director de fotografía, empecé a hacer películas con André, y recuerdo que su nivel de precisión y la forma en que se aproximaba a la realidad tuvieron un gran impacto en mí.

Y Roger Deakins. Cuando hablo de cineastas y directores necesito hablar también de Deakins porque es un artista muy conocido por su forma de ser un maestro de la luz. Pero para mí es más que eso.

Sí, es el mejor con la luz y la cámara. Pero también es un loco narrador de historias. Hice tres películas con Roger y a veces la gente me pregunta por qué. Y la verdad, estar con Roger es puro placer narcisista. Me encanta trabajar con Roger porque cada toma es una lección para mí. Compartimos una sensibilidad extrañamente similar. Digo extrañamente porque para mí, él es un maestro, como una especie de Dios.

Sigo pensando que aunque es un amigo cercano, lo admiro profundamente. Tenemos algo similar en la forma en que nos acercamos a la realidad. Es un proceso muy fácil entre nosotros para hacer el trabajo de cámara y acercarnos a los relámpagos y las cosas.Y al mismo tiempo estoy trabajando con un maestro, así que tengo el profundo placer de estar en la escuela aprendiendo, y por eso espero tener la oportunidad de trabajar con él de nuevo porque siento que tengo muchas cosas que aprender sobre el cine, y trabajar con Roger es el más grande privilegio que he tenido en mi vida.

—En realidad, Roger dijo: “Denis hace ese tipo de película que me atrajo al cine cuando era un niño”. Parece que ese tipo de relación los alimenta a ambos. ¿Cómo ha cambiado esa colaboración con el tiempo de una película a la siguiente? ¿Ha habido una progresión?

Definitivamente diré la verdad. Cuando hice el primer largometraje con Roger, honestamente tuve que matar al fan dentro de mí, tuve que aceptar la idea de que yo sería su director y tendré que dirigir a Roger Deakins. Los primeros días fueron muy incómodos. No soy de los que se impresiona fácil en la vida, pero hay algunos directores frente a los que soy tímido y Roger me impresionó demasiado. Desde la primera película nos hicimos muy amigos y después el proceso fue mucho más fácil. Roger es alguien muy exigente con otras personas y con él mismo. Tiene que ser Roger Deakins en cada momento, en cada toma y eso necesita ser un cuadro. Necesita ser perfecto. Tiene que ser perfecto, y hay presión con eso. Y esa presión a veces es algo que puede ser difícil para él y para su temperamento, y a veces me impresionó su estado de ánimo en el set. Ahora estoy totalmente acostumbrado a eso y me siento muy cómodo con Roger.

Siento que la colaboración fue cada vez más profunda en el proceso de diseño de la última película que hicimos juntos: ‘Blade Runner 2049’. Diseñamos la película juntos, me refiero a hablar del idioma porque necesitaba tiempo y me faltaba tiempo para hacerlo solo. Le pedí a Roger que viniera y me ayudara en ‘Blade Runner 2049’ a hacer un guion gráfico de toda la película, y fue, con mucho, el momento más creativo de mi vida. Estar en la habitación del hotel con Roger Deakins, el artista del guion gráfico y James y crear la película. Juntos. Fue como soñar con otra persona, fue un hermoso privilegio. Ambos terminamos acostumbrados a hacer juntos las películas, el uno con el otro y con nuestro instinto. Al punto que no tenemos que hablar muy a menudo, sólo nos miramos y lo sabemos. Se convirtió en una relación muy instintiva y pura, puedo decir.

—Volvamos al momento del nacimiento del cine en tu mente con esa primera imagen que sabías que querías convertir en película.

Les diré algo a ustedes, mis amigos en China. Algo que creo nunca he revelado porque es un poco vergonzoso, pero la verdad es que creo que comencé a dirigir películas cuando era niño. Tenía mucha ansiedad, era un niño que lidiaba con muchos miedos y le tenía mucho miedo al mundo. Y mientras me iba a dormir, la única forma en que podía dormir era comenzar a diseñar historias en mi mente y comenzar a crear mundos para ir cada noche. Recuerdo claramente haber pasado por episodios de películas que estaba diseñando en mi mente. Y creo que es realmente el nacimiento de esta idea de que las historias podrían ayudarme a lidiar con mi ansiedad y mi relación con el mundo, y creo que comencé en la infancia, porque desde muy temprano me atrajo la escritura. Pensé que podía escribir al principio. No creo que sea lo suficientemente bueno para eso, pero descubrí el trabajo de director muy pronto y comencé a obsesionarme cada vez más con la idea de contar historias con una cámara. No tuve la oportunidad de tener una cámara en ese momento, no la tenía, pero estaba haciendo un guion gráfico. Tenía un amigo que era muy bueno.Él dibujaba, yo contaba historias y creábamos mundos desde muy temprano y era una forma de entender el mundo que me rodeaba y escapar a veces, probablemente así que sí, esa creo, es la forma en que comencé a hacer películas.

Y por cierto me disculpo. Con ese amigo, Nicolas Kadima, cuando teníamos 12 o 13 años o algo así, empezamos a hacer storyboards para ‘Dune’. Estaba soñando en ese momento, recuerdo haber leído el libro y empezamos, Nicolas estaba dibujando y todavía tengo esos dibujos. Nicolas dibujando a Paul Atreides y gusanos de arena, y ya soñábamos con eso cuando éramos niños.

DEL DRAMA A LA CIENCIA FICCIÓN

—Como decía, tienes la capacidad en tus películas para crear suspenso y orquestar el sentimiento de incertidumbre y ambigüedad en la mente del público. ¿Puedes hablar sobre los métodos visuales y de audio que adoptas para lograrlo, incluida la paleta de colores, el diseño de producción, el sonido, la cinematografía y la edición?

Lo que pasa es que sobre la tensión, a veces cuando la gente me hace la pregunta siempre siento que es realmente intuitivo y la respuesta siempre es un poco aburrida pero intentaré ser un poco más generoso esta vez.

Creo que uno de los elementos clave, para la tensión es que necesitas traer a la pantalla en la imagen algo con lo que la audiencia se relacione desde un punto de vista subconsciente, ese elemento traerá realidad, puede ser una luz, puede ser una planta, puede ser algo que hará que las tomas se sientan como en un sueño. Hay algo real allí, y la luz es muy fuerte para eso. Es por eso que soy un firme creyente que tratar de aportar tanto, por eso amo tanto a Roger.

Esta idea de traer tanta naturaleza frente a la cámara como sea posible, para que tu cerebro sienta que eso es lo que estás a punto de ver, podría ser real. Entonces necesitas inducir, en la mente de la audiencia, que hay algo que no ves, que está ahí. Y eso que deseas o a lo que le tienes miedo, pero tienes que aportar de alguna manera, puede ser alguna pista, sonido o una presión, con un movimiento de cámara que algo está por suceder o no.

Y luego como una olla en una estufa, te abrirás y esperarás a que hierva el agua y habrá un momento en el que el agua estará lo suficientemente caliente y hervirá, así que tienes que cortar porque ahí es cuando la tensión está al máximo. Entonces, para mí, se trata de la relación con la naturaleza, con el tiempo, por supuesto, y la capacidad de crear tensión en algo que no existe. Es realmente como un aspecto poético de la tensión proveniente de la ausencia de algo y pienso de nuevo que la mejor música para expresar la tensión es el silencio y creo que cuando puedes lograrlo, da mucho miedo.

—Al final de tu primer largometraje, ‘Un 32 août sur terre’,  de 1998, el protagonista aborda un avión de Quebec a Estados Unidos, que hoy parece un espejo de tu carrera de cineasta porque empezaste en Quebec y luego fuiste a hacer películas estadounidenses, entonces, ¿Cómo ha cambiado tu enfoque de la realización cinematográfica o ha cambiado con el tiempo porque comenzaste a hacer estas películas estadounidenses?

Totalmente. Creo que, en primer lugar, al principio era más alguien centrado en el trabajo de cámara, intentaba controlar demasiado las cosas, realmente estaba intentando… En primer lugar, mi primer largometraje fue muy arrogante al tratar de expresarme, existir para crear una identidad que, luego de dos películas me di cuenta que fracasó totalmente.

Frente a eso, decidí que tomaría las cosas de otra forma,  y entonces traté de no existir, pero de comunicar algo de una manera, en que me esfuerzo en ser más humilde, y ​​sólo estar ahí para la historia, en lugar de que la historia esté ahí para mí. No sé cómo decir lo contrario y simplemente poner mi ego en el lugar correcto, y hacer cine por amor al cine y no por intentar existir yo mismo. Ese fue el mayor cambio. También diría que mi relación con los actores cambió mucho. Al principio estaba aterrorizado,como muchos directores a la hora de comenzar a trabajar con actores, es completamente normal. Son una especie muy extraña. Y cuanto más trabajo con actores, más cómodo me siento, por lo tanto, me convierto en un mejor director, trato de escuchar más y de tener más control en lo que estoy haciendo, abrazando la idea de que no siempre tengo la respuesta. Creo que no estoy mal ahora para poder sentirme cómodo sin saber las respuestas.

Como director tienes que responder cientos de preguntas y ahora siento que puedo estar cómodo y puedo perdonarme por no tener las respuestas, ser amable conmigo mismo, simplemente relajarme y esperar a que la flor crezca. Incluso si hay 500 personas esperándote, y el sol se pone y el fuego está ardiendo, tienes que esperar a que la flor crezca y ser paciente y llegará, se abrirá pero debes ser paciente y para eso tienes que salir de la zona de ansiedad y volver a la creatividad.

Así que esas son las cosas que he aprendido a lo largo de los años y, por supuesto muchas cosas en el ámbito técnico.

‘Prisioners’ y ‘Sicario’ son tus primeras películas estadounidenses, y luego pasas a las películas de ciencia ficción con ‘Arrival’, ‘Blade Runner 2049’ y ahora ‘Dune’. La mayoría de la gente piensa que esto es un gran cambio, pero de hecho, a menudo dices que esto estaba alineado con tu pasión desde tu juventud.

Sí, es un buen comentario. La gente a menudo me dice cómo es que ahora estás en la ciencia ficción, ¿por qué vas allí? Como digo que no fui allí, volví a casa. Amo la ciencia ficción, mi sueño era hacer ciencia ficción desde el principio. Y creo que para hacer buena ciencia ficción debes dominar muchos elementos, y probablemente (la ciencia ficción)sea uno de los más complejos de dominar porque, es una forma y un género muy difícil. Y para poder hacer eso, necesitaba perfeccionar mis herramientas en otros géneros, para estar más cerca de la realidad, para profundizar en el sueño. Y también pude hacer ciencia ficción ahora porque tengo acceso a presupuestos más grandes. Y también porque ahora tengo más experiencia para poder trabajar con equipos más grandes, VFX con mayor complejidad. Nunca, nunca podría haber hecho ‘Dune’ como mi primera película. Estaría  muerto ahora mismo.

—Como lo mencionaste anteriormente, pero para ti es importante que estos mundos de ciencia ficción se filmen en lugares reales, no frente a una pantalla verde, y la tecnología ha evolucionado rápidamente. ¿Cuál es tu relación con los efectos visuales?

Lo que pasa es que las computadoras son herramientas muy poderosas. Pueden darnos alcance para muchas cosas, pueden crear mundos que no pudimos hacer por mucho tiempo. Digamos que en el pasado los directores y artistas visuales eran maestros y eran capaces de crear cosas con técnicas muy complejas que, hoy son 10.000 veces más fáciles con la ayuda del computador. Así que definitivamente diría que tenemos mucha más flexibilidad.

Ahora, el peligro de esto es que, personalmente, siento que al final del día el alma de la película está en las palabras y los actores y que para sacar lo mejor de ella, necesitas que los actores estén inspirados, y para estar inspirado creo que se necesita una cierta cantidad de realidad. Y cuando tengo que hacerlo, diré que personalmente no lo disfruto, a veces cuando trabajas en un entorno virtual es muy difícil, porque no es cierto que las ideas salgan de la nada.

Soy muy anticuado, respondo a la luz que enciende una mesa, a la posición de una silla en la habitación, a los actores que caminan hacia la ventana en cierta posición. Pero para eso necesitas una ventana, necesitas algo afuera, necesitas alimento para la imaginación, para la creatividad, y frente a una pantalla verde… necesitas presencia.

Es algo por lo que siempre lucharé como director, por tener la mayor realidad posible.

En ‘Dune’ creamos esos sets locos, eran enormes, pero teníamos que pensar en ello. Creamos un mundo, creamos un nuevo planeta, necesitamos algo material para poder crear eso y creo que estos entornos, esos entornos reales fueron útiles.Entonces, por supuesto, las computadoras pueden ayudarnos a extenderlas para hacer el mundo más grande, para que las cosas vuelen en el cielo, creo que sí, puedes hacerlo perfecto después, con la computadora. Pero el núcleo, los elementos que rodean a los actores deben ser reales.

—Como cineasta, cinéfilo, alguien que va al cine, en tu opinión, ¿qué hace a un gran cine? En otras palabras, ¿Cuáles crees tú que son los más importantes componentes de una gran película?

Poesía. Creo que al final del día, las cosas por las que el público se dice por qué vamos a ver películas, es conmoverse por la poesía de una imagen. Cuando hablas con la gente, si menciono el título de una película, en tu mente aparecerán espontáneamente algunas imágenes. Esas imágenes que se han quedado contigo por una razón. Hay algo que se adentra en tu interior para tocarte porque esas imágenes tienen un significado profundo. Y el significado es algo que está orquestado por el movimiento frente a la cámara y la luz, el diseño, los elementos, que crean un significado que no es intangible, que es invisible, se llama poesía y que al final del día, es la belleza del cine y, como cineasta, intentas crear tantos momentos como ese como puedas en una película.

Eso es lo que yo diría.

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