30 años de dos clásicos Ghibli: ‘Mi Vecino Totoro’ y ‘La Tumba de las Luciérnagas’

En el marco del ciclo de Matucana 100 sobre los 30 años de ‘Mi vecino Totoro’, organizado en conjunto con NerdNews y Nerdix, reflexionamos sobre el aporte del estudio Ghibli a la cultura pop en estas tres décadas y que incluye la espectacular ‘LaTumba de las Luciérnagas.
A nadie le cabe duda alguna acerca la singularidad de la animación japonesa, tanto por su estética como por las historias y mundos que se tejen en sus series y películas. Sin embargo, no menos cierto es que, dentro de esa industria de la entretención, los Estudios Ghibli ocupan un lugar crucial y preponderante gracias a una línea estética y un discurso a prueba de lugares comunes y sin concesiones con lo comercial. Películas como ‘El Viaje de Chihiro’ o ‘La Princesa Mononoke’ o ‘Mi Vecino Totoro’ son un ejemplo de ese espacio singular que abrió en allá por 1985 Hayao Miyazaki y sus colaboradores.
¿PERO QUÉ ES ESA SINGULARIDAD? ¿DE DÓNDE PROVIENE?
Hay que recordar que Miyazaki nació en medio de la Segunda Guerra Mundial, conflicto en el cual Japón no solo estuvo involucrado, alineado con Alemania, sino que también sufrió una dolorosa derrota sellada por el horroroso lanzamiento de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki. Bueno, podríamos decir que esos hechos, sumados a la particular idiosincrasia y cultura de los japoneses, fueron el caldo de cultivo para una especial imaginería audiovisual llena de monstruos, miedos, personajes miserables, pero también de héroes, magia, leyendas y folclor. En el persistente camino de Miyazaki, el realizador hizo sus armas en la compañía Nippon Animation trabajando en muchos de los clásicos que afectaron la sensibilidad de varias de nuestras generaciones, entre ellos,  las legendarias series ‘Marco’ y ‘Heidi‘, que fueron auténticos melodramas telenovelescos para los pequeños en los años 70 y principios de los 80.
Este año se cumplen 30 años de uno de sus filmes más entrañables, el cual, además, se ha convertido en el símbolo de la compañía de Miyazaki. Estamos hablando de ‘Mi vecino Totoro’, escrita y dirigida por Miyazaki. Curiosamente, también se cumplen 30 años de otra famosa película de los estudios Ghibli, nos referimos a ‘La Tumba de la Luciérnagas’, que fue dirigida por Isao Takahata, socio de Miyazaki y con quien también trabajo en la época de Nippon Animation. Las dos películas se estrenaron como un programa doble, donde la primera función era Totoro y en segundo lugar se exhibía ‘La tumba…’. La decisión detrás de este doblete no es tan clara, pero se ha dicho que la ausencia de verdaderos héroes en las dos historias y, además, con dos protagonistas femeninas en una de ellas, fueron factores que hicieron dudar del éxito de las cintas. Y bueno, si bien es cierto que Totoro no tuvo éxito en el cine, sí ganó una enorme popularidad poco después cuando en Japón se exhibió por televisión, generando de paso una tremenda industria de merchandising que sigue funcionando hasta el día de hoy.
LAS CLAVES DE UN CLÁSICO
El elemento mágico que muy sutilmente empieza a aparecer, incluso como una parte orgánica de la realidad, es una de las claves de ‘Mi vecino Totoro’. Algo que tiene mucho que ver con la cultura japonesa y la consuetudinaria presencia de demonios o yokai en sus relatos y creencias. Sus protagonistas son dos niñas que llegan una casa en el campo con su padre, mientras su madre se encuentra en un hospital. Ya desde los inicios el elemento mágico se hace presente con unos espíritus parecidos a motas de polvo que deambulan por la casa. A eso se suma un ente que aparece y es seguido por una de las niñas en el bosque, en donde desaparece. No hay mucha explicación de nada. Las cosas suceden simplemente. Es una estrategia en la que resuena también ‘Alicia en el País de las Maravillas’, la historia de Lewis Carroll que comienza también con una niña siguiendo a una criatura que es un conejo antropomorfizado y donde los acontecimientos no se explican y cuando se tratan de explicar lo que recibimos de vuelta son explicaciones absurdas. En el caso de Totoro, Miyazaki opta más por los silencios, las miradas, los movimientos y los gestos leves que dan indicios o permiten intuir cosas al espectador. De hecho, ni siquiera sabemos de qué ha enfermado la madre de las niñas. Tampoco se explica la aparición de Totoro, ni el viaje que las niñas emprenden en ese gato-bus. Es tan así, que incluso han aparecido teorías que buscan a través de los distintos símbolos de la cinta interpretar qué es lo que realmente sucede. Una de esas teorías plantea que Totoro realmente es un tipo de espíritu de la muerte (tatarimokke, es el nombre que se le da en el folclor nipón al espíritu protector que guía las almas de los niños fallecidos) que finalmente lleva a las niñas al inframundo en donde se encuentran con su madre, que en realidad no ha sobrevivido sino que también murió. Algo así como el shinigami del manga ‘Death Note‘.
Mi Vecino Totoro’ en tal sentido podría ser una especie de Divina Comedia en la que, en lugar de tener a un Dante descendiendo al infierno para encontrar a su Beatriz, nos muestra el viaje de dos niñas al país de los muertos para encontrarse con su progenitora. ¿Y el gato-bus? Pues sería como el transporte al infierno griego, es decir, como la barca del Caronte que sirve para atravesar el lago del Averno.
TOTORO EL ESPIRITU DEL BOSQUE
El personaje de Totoro también representa por sí mismo ese especial vínculo que tiene la cultura japonesa con la naturaleza. Se trata de un espíritu que protege el bosque, muy propio del sintoísmo, y que, por lo tanto, se vincula con ese espacio alejado de los vicios humanos, lo que explicaría en parte por qué las niñas se ven acogidas en dicho lugar al que no pueden acceder los adultos ya corrompidos por  el mundo social. Y claro un adulto no puede ver a Totoro, lo que resulta evidente en esta lectura ya que la infancia es también un símbolo de pureza, tal como lo es la naturaleza misma.
Por otra parte, el mensaje ecológico puede resultar bastante evidente. La madre ausente es ahora reemplazada por la madre naturaleza representada por Totoro, quien acoge a estas niñas desvalidas o, mejor dicho, a estas niñas que se encuentran alejadas del cobijo maternal. Amor de  la naturaleza que también se ve desde el mundo de los adultos, pero ya transmutado en esculturas a deidades agrícolas y ritos que rodean también la trama, aunque de manera más tangencial. Los adultos tienen un acceso más distante a la dimensión espiritual que reside en la naturaleza, mientras que los niños pueden entrar a ella porque aún están en esa dimensión pura.
Teorías más o teorías menos, análisis más o análisis menos, lo interesante de Totoro es que logra emocionar con cosas simples, apelando a temores infantiles clásicos: el bosque en el que se puede perder una niña pequeña, la desaparición de un padre o una madre, las criaturas del más allá o los espíritus que merodean las cosas. Todo esto sin caer en el juego bobalicón y rimbombante con que el cine más comercial agobia a las audiencias infantiles que hoy en día ya están sobreestimuladas en las salas con las cabritas edulcoradas y la gaseosa gigante. Y, aun así, increíblemente la obra de Miyazaki ha terminado convirtiéndose en un ícono de la cultura pop y sus personajes se han visto citados en series como ‘Los Simpson‘ y ‘South Park‘.
EL DRAMA DE LA GUERRA
Entrando en un terreno más pedregoso, y por eso tal vez se entiende la decisión de Ghibli de estrenar juntas ambas películas, ‘La Tumba de las Luciérnagas’ se adentra en el mundo de la guerra y de sus víctimas. El mismísimo crítico Roger Ebbert calificó esta cinta como una de las mejores cintas de temática bélica. Algo nada exagerado, aunque podría resultarlo para quienes esperan que ese calificativo se reserve a una trepidante cinta de acción. Pues bien, no es así, aquí los protagonistas son dos hermanos, un adolescente y una niña pequeña, que tratan de sobrevivir en el Japón de la Segunda Guerra Mundial, mostrando justamente la precariedad de los seres humanos, especialmente de los niños, en medio del horror de un conflicto armado.
Los dos protagonistas enfrentarán también la pérdida del cobijo maternal… una vez más la ausencia de la madre como tópico Ghibli. Eso sumado a un Japón bajo bombardeo y una situación de carestía que termina por convertir a los dos personajes en parias que buscan sobrevivir enfrentados al hambre y la desprotección más feroz. A diferencia de ‘Mi Vecino Totoro‘, aquí la cinta de Takahata, si bien toca elementos ligados con la espiritualidad japonesa, se inserta más propiamente en el mundo social de los adultos en donde los criterios para la vida son otros. Aquí ya no hay espíritus pacíficos y puros, estamos fuera del ámbito de la sagrada naturaleza, estamos en poblados y ciudades que buscan sostenerse en medio de las bombas y la devastación. Es un holocausto que será el corto preámbulo antes del holocausto nuclear de Hiroshima y Nagasaki. Y lo poco que puede ofrecer la naturaleza aquí son breves escapes, esos que son permitidos por sus propias maravillas, como esas lucecitas voladoras que maravillan a la pequeña Setsuko.
La cinematografía de Ghibli es ciertamente un cine que no menosprecia a los niños, que no esconde la verdad maquillándola con colores y fuegos de artificio. Hay dureza, pero, tal como en la vida, junto a esa dureza también se despliega la poesía y la magia. Aquí es donde más claramente se reflejan esos años de aprendizaje de Takahata y Miyazaki en Nippon Animation, donde resuenan esos claroscuros de las historias de Marco o Heidi. Historias en las que frecuentemente el mundo de los niños se ve golpeado por el mundo de los adultos y en ese choque, en ese drama -que muchas veces se vuelve melodrama- se abre la posibilidad de reflexionar sobre la identidad de cada uno. Algo especialmente importante cuando se trata de espectadores infantiles que la mayoría de las veces se ven alienados en la actualidad por realidades virtuales de videojuegos en los que la vida y la muerte se define por bonos y vidas extra, y donde el riesgo real no se palpa y donde la identidad es apenas un avatar.
En un terreno más personal, esta es una de las razones por las cuales hace un tiempo atrás comencé una pequeña campaña para que en la televisión abierta nacional se exhibieran las películas del estudio Ghibli, justamente pensando en esa particular mirada que aporta el trabajo de Miyazaki y sus colaboradores. De alguna manera, es volver a una vieja tradición de narrativa infantil que no teme entrar en ese terreno que limita entre el mundo adulto y el de los pequeños, algo parecido a lo que se ve en la recopilación de relatos que hacen los hermanos Grimm -donde la muerte y las miserias humanas y de otras criaturas no están ausentes- o la literatura de Collodi con su Pinocho que muchas veces resulta feroz y descarnado, o los cuentos de Andersen que también abordan la vida desde una visión de mundo que no le hace el quite a las sombras de lo humano. Bueno, en realidad, este es un sello perteneciente a una gran tradición de relatos europeos y asiáticos, por pensar solo en los que he tenido la fortuna de conocer.
Y ahí radica la importancia de los estudios Ghibli y sus películas, en su capacidad para indagar por los vericuetos de la humanidad desde una cierta empatía que sirve también como ejercicio de una moral bien entendida, como una moral que consiste en el estremecimiento ante lo otro, ante la diferencia, ante el choque de los opuestos. Son ejercicios de sensibilidad que, en más de algún sentido, abren la posibilidad de que los niños, esos futuros adultos que construirán el mundo, puedan formarse de una manera menos conductista, menos prejuiciosa y menos mecánica.
CICLO GHIBLI EN MATUCANA 100
Matucana 100, Nerdix y Nerd News te invitan a celebrar los 30 años de ‘Mi vecino Totoro’. Catalogada como la mejor cinta de animación de la historia por la revista inglesa Time Out, la película, escrita y dirigida por el legendario Hayao Miyazaki, se presentará en una función especial este 3 de abril a las 19:30 hrs. en el Teatro Principal de M100.
Estrenada en 1988 en Japón por el Studios Ghibli, ‘Mi vecino Totoro’ cuenta la historia de dos hermanas y su padre, que se trasladan a vivir a una casa de campo. Las pequeñas, procedentes de un ambiente urbano, descubren el estilo de vida rural de los años 50 y a un vecino bastante desconcertante: Totoro, un espíritu del bosque.
Además, durante la semana se realizarán exhibiciones de películas emblemáticas de Studio Ghibli en el Cine M100.
03/04 Mi vecino Totoro / Hayao Miyazaki / 1988 / Teatro Principal
04/04 Nausicaä del Valle del Viento / Hayao Miyazaki / 1984 / Cine M100
05/04 El viaje de Chihiro / Hayao Miyazaki / 2001 / Cine M100
06/04 El viento se levanta / Hayao Miyazaki / 2013 / Cine M100
08/04 La tumba de las luciérnagas / Isao Takahata / 1988 / Cine M100
08/04 Mi vecino Totoro / Hayao Miyazaki / 1988  / Teatro Principal

 

 

 

 

La historia dorada del cómic chileno en Youtube

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Demetrio Babul y Néstor Pérez son los responsables de “La era dorada del cómic chileno”, un trabajo audiovisual de poco más de media hora que da cuenta de algunos hitos primordiales de la historieta local en sus mejores años: con la editorial Zig-Zag y liderando un mercado con cifras records de más de 300 mil ejemplares impresos a la semana.
Interesante trabajo de recopilación de testimonios, con protagonistas de la época, como los artistas Juan Francisco Jara, Jaime Carvallo, “Jorcar”, Ventura Marín y un largo etc., “La era dorada del cómic” informa y da pistas sobre cómo era hacer viñetas en Chile.
Tanto Néstor Pérez como Demetrio Babul contestan algunas preguntas para NerdNews
-¿Cómo nace este proyecto y cuándo?
Demetrio: “Tenía esta idea desde hacía hartos años atrás,  fueron varios factores los que influyeron… principalmente con el acceso al contenido infinito de Internet y a buscar por ahí y por allá me armé una videoteca de documentales sobre cómic buenísimos, por otro lado yo ya llevaba un buen tiempo haciendo arqueología en las librerías de viejo buscando un cómic perdido que hizo mi abuelo en los 50 y entre medio de eso empecé a conocer y tomarle el peso al legado de los artistas de la historieta que en su tiempo fueron una industria cotota. De esa manera , investigando por aquí y por allá, me encontré con esta increíble mitología de los dibujantes de cómic chilenos muy similar a una serie de cómic española Los Profesionales de Carlos Giménez así que llegué a la conclusión de que era una historia que había que contar y compartir con la mayor cantidad de gente posible.
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Dice Babul que esa la “iluminación”. Y que el principal escollo a superar fue  encontrar un socio para realizar esta empresa. “Le comenté el proyecto a mucha gente pero me quedaban mirando con cara de nada o escurrían el busto olímpicamente, un día me encontré con Néstor en una de las inauguraciones de la galería Plop! , habíamos sido compañeros años atrás en un estudio  de esclavos de animación, y le cuento medio aburrido sobre el proyecto de recoger el relato de los veteranos de la era dorada del cómic chileno y me dijo que le parecía bien que se sumaba al proyecto. Yo le expliqué todo de nuevo por que pensé que se había equivocado, que había entendido mal pero me dijo que no había problema que le interesaba por que estaba trabajando en la Dibam para algo parecido y así partió el cuento”.
Néstor: “Sí, yo también tenía planeado hacer algo con el tema ‘política e historieta’. Antes había hecho mi tesis de Diseño sobre el Cómic Chileno, por lo que ya había investigado algo, y también me había dado cuenta del desconocimiento tan grande que se tiene sobre nuestro patrimonio artístico. Los argentinos, por ejemplo, la tienen bien clara y tienen infinidad de proyectos de difusión, incluso series televisivas ficcionadas sobre la historia del Cómic en su país.
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-¿Qué tan duro fue realizarlo sin fondos públicos?
Demetrio: “Nosotros siempre vimos este documental (aun me cuesta llamarlo así) como algo bien de guerrilla en todos los aspectos , aun así siempre en mi imaginación lo veía con hartas animaciones, un montón de material gráfico y post producción de apoyo, sobre todo cuando vimos el nivel de la historia que estábamos cubriendo, y eso se siente bastante. Ojalá hubiéramos tenido los recursos, tiempo para producir con tranquilidad, hacer investigación y recursos para post principalmente. Pero sí, fue heavy al igual que para todos los que han trabajado en proyectos personales robándole al tiempo libre después de la pega. Nos demoramos como 2 o 3  años para producir esos 30 minutos… pero lo importante está ahí, la información para la gente que investigue en el futuro la historia de estos viejos que vivieron algo que para muchos es un sueño”.
Néstor: “Desde el principio nos decidimos a realizarlo con los equipos que ya poseíamos, no hicimos ninguna inversión extra, y como ninguno de los dos se dedicaba a esto, ocupamos equipos muy básicos, siempre apostando a que nuestra fortaleza era la potencia de la historia que estábamos rescatando. Por otra parte, muchos de los protagonistas, ya muy mayores, estaban partiendo, es el caso de Themo Lobos, Percy, etc. Por lo que era imperioso no detenernos por falta de recursos o esperar a conseguir mejores equipos. Le dimos para adelante nomás”.
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-¿Por qué crees que no le gustó al Fondart?
Néstor: “Aunque les pareció interesante el tema, dijeron que no teníamos experiencia en realización de Documentales, por lo que, supongo, dudaron que pudiéramos llevarlo a cabo de buena forma y prefirieron no arriesgar los recursos. Imagino que prefieren irse a la segura con la gente consagrada, por eso se lo ganan siempre los mismos que ya tienen equipos especializados en postulación y pueden presentar también co- financiamientos y otros apoyos. Lo que debiera ser un espaldarazo a la gente que inicia, se convierte en una fuente de financiamiento permanente para los realizadores y productoras ya posicionados en la industria”.
-Hablemos de lo necesario que es recordar la edad dorada del cómic chileno…
Demetrio: “En todos los países donde la historieta es o ha sido una parte importante de la cultura hoy en día se estudia, se analiza, se investiga y se revisita constantemente lo que se entiende ya que como dije el cómic ha sido parte de su historia y uno podría suponer que acá no se justifica tanto su análisis pero creo que este documental demuestra un poco lo contrario. En su momento el cómic en Chile fue protagonista y como dicen por ahí los países sin memoria van a ir dando tumbos hacia el futuro, creo que lo mismo pasaría si la gente que se dedica a la historieta no conoce o descubre sus raíces por que esa puede ser tu propia historia al fin y al cabo (…) En todo se está tomando conciencia de ello ahí está el Catalogo del Cómic Chileno de Moises Hasson o las re ediciones de material ochenteno y setentero de algunas editoriales más jugadas”.
Néstor: “Uno de nuestros objetivos era llegar a las nuevas generaciones que nacieron con el boom de los manga japoneses; nosotros somos de una generación anterior, descubrimos los cómics a principios de los 90, principalmente los europeos, que influenciaron a toda esa generación post dictadura. Creíamos necesario que se volviera la mirada a lo nuestro, a una industria que exportaba a toda latinoamérica. Las nuevas generaciones deben tomar esto como un incentivo para la búsqueda y rescate de lo que nos identifica como país y que se vea reflejado en nuestro arte”.
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-También están estos invaluables testigos… cómo los contactaron
Demetrio: “Siempre tuvimos el apoyo del Museo de la Historieta de Chile, que mantiene su propia guerrilla a pulso para mantener el fuego de la memoria del cómic chileno vivo. Gracias a ellos en especial gracias a Mauricio García Castro pudimos contactarnos y acercarnos a los protagonistas directos de esta época.
-Recordemos que tan grande fue esta edad dorada
Demetrio: “Para comprenderlo hay que entender que en esa época la televisión estaba en pañales y la gente se divertía en su tiempo libre yendo al cine o a comer , en reuniones sociales de diverso tipo y para de contar, nada más, cero. El resto del tiempo en su tiempo libre la gente leía y escuchaba radio, así que las publicaciones , muchas veces semanales, tenían tirajes que hoy ni se sueñan, la prensa era un medio poderosísimo, era la Internet de la época. Esa coyuntura fue el caldo de cultivo perfecto para que floreciera la historieta como un medio de entretención masivo que se transformó en industria y permitió que muchos artistas se desarrollaran y dejaran plantadas las semillas que más adelante llegarían a ser los primeros autores de cómic chileno. Y por otro lado toda esta gente finalmente se en2contró en el ojo del huracán que dio como resultado los hechos acaecidos en 1973…
-Nos falta memoria histórica, en especial en el campo de la historieta no…
Demetrio: “Sí, es terrible. Encuentro terrible que haya gente que figure como experto en cómic , que se sepa todos los modelos del Batimobil y que no conozca sus orígenes, sobre todo por que es una historia alucinante, increíble. Hay cada anécdota estrafalaria, cada uno de esos dibujantes de los sesentas, los guionistas, editores, son una fuente de historias tremendas, sería genial que este documental inspire a más personas a descubrirlas, hay que hacerlo rápido eso sí”.
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-Eres co- director y co-gestor de este proyecto… cuéntanos lo mas duro de hacerlo…
Demetrio: “Bueno, este proyecto lo codirigí con Néstor y más que nada yo me dediqué a tratar de darle un punto de vista diferente. Como yo soy o fui dibujante de cómics, tengo un dominio del medio diferente a cualquier audiovisual que quiere hacer un documental sobre el tema, supongo. Yo lo enfoqué siempre de ese punto de vista, les preguntaba sobre rapidez de producción, tarifas por página, materiales, pinceles, tintas, si trabajaban de día de noche, censura editorial, etc. mientras que Néstor se dedicó a darle forma al material ya que tiene más manejo en documentales, el le dio forma a toda esta montaña de información que recopilé en las entrevistas  y entre los dos creo que armamos una buena historia sobre la odisea de esta gente. Ellos son lo importante, y es dee sperar que la gente les reconozca su hazaña como se debe en especial los futuros narradores gráficos”.
-¿Por qué estrenarlo en Youtube?
Demetrio: “Para llegar a todo el mundo si es posible. La historia de estos hombres y mujeres y su época merece ser conocida y recordada mientras aun se los puede aplaudir en vida. Ahora que te escribo estas palabras el video ya va para las 400 visitas y gente que ni conocemos está empezando a hacerlo circular lo que ya para nosotros es un tremendo logro”.
Néstor: “Esperamos que todos nos ayuden a difundir este trozo de nuestra historia por la que debemos sentirnos muy orgullosos. “Conocer el pasado para proyectar el futuro”.

 

Aquí pueden ver el video:

Dominic Cooper regresa al papel de Howard Stark en ‘Marvel’s Agent Carter’

El padre del genio, millonario, playboy y filántropo volverá, pero a la pantalla chica.
Más novedades para la esperada serie ‘Marvel’s Agent Carter‘: el actor Dominic Cooper volverá a interpretar al inventor Howard Stark, padre de Tony ‘Iron Man’ Stark y fundador del su imperio de alta tecnología.
Cooper interpretó este papel por primera vez en ‘Capitán América: El primer vengador’, cuando vimos a Howard Stark participando del experimento que —gracias al suero del “súper soldado”— transforma a un débil Steve Rogers en el hombre casi invencible que luego portará el traje de barras y estrellas, además de su característico escudo. También se le pudo ver en el corto ‘Marvel One-Shot: Agent Carter’, disponible en el Blu-ray de ‘Thor: Un mundo oscuro’.

De esta forma, Cooper acompañará a Hayley Atwell —quien interpreta a la temeraria agente Peggy Carter— en esta nueva serie que llegará a las pantallas en 2015 y que es una suerte de precuela de ‘Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.‘, actualmente en su segunda temporada. Ambientada en 1946, ‘Marvel’s Agent Carter’ nos mostrará a una agente Carter marginada de sus anteriores funciones por sus colegas masculinos, a cargo de labores administrativas, pero que paralelamente realiza importantes misiones encubiertas para al tiempo que la SSR (Strategic Scientific Reserve), agencia predecesora de S.H.I.E.L.D. Y claro, siempre atormentada por el fantasma de la desaparición de Steve Rogers.
El elenco la serie se complementa con Chad Michael Murray como el agente Jack Thompson; Enver Gjokaj como el agente Daniel Sousa, James D’Arcy como Edwin Jarvis, y Shea Whigham como el jefe de la SSR, Roger Dooley. ‘Marvel’s Agent Carter’ está escrita por Christopher Markus y Stephen McFeely.

‘Los cazafantasmas 3’ tendría un elenco femenino

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If there’s something strange in your neighborhood. Who ya gonna call? Ghostbusters!”.
Hace 30 años, el estribillo de la pegajosa canción de Ray Parker, Jr. acompañó el estreno de una insólita cinta que reunió bajo un mismo título terror (muy suave, por cierto), humor y efectos especiales de punta para esos años. ¿Su nombre? ‘Los cazafantasmas’. Su éxito posibilitó una secuela en 1989, pero no logró ser tan exitosa como la primera. Y la historia del grupo de científicos dedicados a capturar espectros en Nueva York quedó circunscrita la animación y el cómic. De esta forma, la posibilidad de una nueva cinta que cerrara la trilogía quedó en el olvido.
Pero esta semana hubo novedades sobre este tema, ya que de acuerdo a fuentes consultadas por Variety y The Hollywood Reporter, el director Paul Feig sería el encargado de concretar el proyecto de ‘Los cazafantasmas 3‘, ya que el responsable de comedias como ‘Damas en guerra‘ y ‘Chicas armadas y peligrosas’ sería el elegido del estudio Sony. Pero hay más: ahora ya no serían “los” cazafantasmas, sino “las” cazafantasmas.
Tal como lo leen, hay fuertes indicios de que la cinta —respetando el tono de comedia de aventuras de la primera— tendría un elenco protagónico femenino. En las redes sociales han surgido muchas voces que dicen que es solo un truco publicitario, pero vale la pena recordar que la editorial IDW, que publicaba los cómics de ‘Los cazafantasmas’, tuvo durante 2013 un arco argumental llamado ‘Los nuevos cazafantasmas’. En ella, el equipo original —Egon Spengler, Peter Venkman y Raymond Stantz— es transportado a otra dimensión y ante su ausencia, Janine se encarga de organizar un nuevo equipo que continúe su labor en nuestro mundo.
Vale la pena recordar que a medida que pasaron los años, la idea de una tercera cinta protagonizada por el elenco original fue perdiendo fuerza. Los actores envejecieron y una tercera aventura resultaba cada vez menos factible. Luego cobró fuerza la idea de una cinta en la que el elenco clásico solo apareciera para “entregar el testimonio” a una nueva generación de cazafantasmas.
 
Sin embargo, Bill Murray se negó a participar y el guión fue sufriendo importantes cambios. Pero el golpe más duro ocurrió en febrero de este año, cuando falleció Harold Ramis, coescritor de ‘Los cazafantasmas’ y el hombre que dio vida al Egon Spengler. Además, tras su partida, Ivan Reitman —director de las dos películas— anunció que renunciaba a dirigir la tercera película de “Los cazafantasmas”, aunque permanecería como productor.
 ¿Cuándo podremos ver ‘Las cazafantasmas’? Difícil asegurarlo, pero al menos hay indicios de que alguno de los múltiples proyectos en torno a este clásico del cine de los años 80, avanza hacia la pantalla grande.

 

Revelan portada de “Logia”, la nueva novela de Francisco Ortega

Es probable que sea uno de los libros más esperados de este año en Chile. Estamos hablando de “Logia” (Planeta), la nueva novela del periodista y escritor Francisco Ortega (http://fortegaverso.cl/), que en esta ocasión se sumerge en los secretos de la hermética Logia Lautarina —que dentro de sus filas tuvo a algunos de los más insignes “padres de la Patria” latinoamericanos—, combinando el presente con el pasado en una thriller conspirativo cuya trama se desenvuelve en escenarios como Chile, España y China.
La fecha oficial de su lanzamiento todavía se mantiene en secreto, pero a través de las redes sociales se acaba de revelar su portada, en un adelanto que seguramente será el primero de varios. De hecho, a fines de este mes habrá interesantes novedades en torno a esta nueva novela.
Ortega es responsable de otros títulos, como “El número Kaifman”, que exploró el mito del secreto escondido en tractores alemanes llegados a Chile; “El horror de Berkoff”, una historia que combinó terror, amistad y amor en el sur del país, además de las novelas gráficas “1899. Cuando los tiempos chocan” y “Mocha Dick”.
Si quieres saber más sobre “Logia”, te recomendamos visitar su página en Facebook:  https://www.facebook.com/logianovela

Ha nacido un nuevo Han Solo (o por qué amamos ‘Guardianes de la Galaxia’)

Stard-Lord-, así se hace llamar Peter Quill en ‘Guardianes de la galaxia’, bandido espacial sin principios, divertido, cínico, mujeriego y algo así como el mejor sucesor de Han Solo, el mercenario de ‘Star Wars‘ (hablamos de la trilogía que merece la pena, ¿vale? la otra ¡no existe!) .
Peter Quill tiene la cara, voz y humor del actor que lo interpreta: Chris Pratt, carismático artista siempre condenado a los roles del amigo gordo y secundario en comedias tontuelas como ‘Delivery Man‘, donde era el abogado gordo y desbordado por sus numerosos hijos que aconseja legalmente a un protagonista anodino.
Pero eso se acabó. Aunque Chris Pratt había postulado para el rol del capitán James T. Kirk en ‘Star Trek‘, de J.J. Abrams (y le ganó el rol Chris Pine), este luchador del chiste corto y efectivo consiguió el lugar que se merece con esta superproducción espacial que revive a una olvidada banda de anti héroes espaciales de la casa editora Marvel.
-Stard-Lord-, así se hace llamar Peter Quill y en verdad nadie lo toma en serio. Pero el director James Gunn, a quien tampoco nadie lo tomaba muy en serio (con su guión para bochornos como el live-action ‘Scooby-Doo‘ de 2002), creyó en Chris Pratt y en la manera en que este actor construyó a este Peter Quill: chistoso y sobre todo, musical.
Guardianes de la Galaxia‘ comienza en la Tierra, en el año 1988, cuando el pequeño Peter Quill está en el hospital y escucha en su walkman su casette preferido rotulado como ‘Awesome mix # 1‘.
El pequeño Peter está triste porque su madre, agonizante, le entrega un regalo y quiere despedirse de él en su lecho de muerte.
Acto seguido, llorando y triste la muerte de su madre, el pequeño es secuestrado por una nave extraterrestre y la película comienza dos décadas más tarde en un planeta en ruinas y con el adulto Peter Quill, portando su walkman y dejando en claro que esto es matiné humorística, sumamente musical gracias a un soundtrack de clásicos de los años 70 y 80.
Soap opera espacial que en estos días de superhéroes puede parecer un riesgo, pero en verdad es algo que siempre ha sido así (el humor de Star Wars, ¡por favor!), ‘Guardianes de la Galaxia’ usa la música de ‘Awesome mix # 1‘ como plataforma de tono para abrir las puertas de un nuevo universo en el cosmos de Marvel.
Canciones como ‘I’m Not in Love‘ ,de 10cc; ‘Hooke on a Feeling‘, de Blue Swede,  ‘Escape’ (The Piña Colada Song) , de Rupert Holmes,  ‘Moonage daydream’ de David Bowie, en incluso una de Michael Jackson en su versión infantil, son abono fértil para que crezcan en estos campos espaciales personajes geniales y así de rockeros y sin ataduras con el lugar común.
Y parte de esta improvisada banda de marginales que se forma en ‘Guardianes de la Galaxia’ para salvar la galaxia, son nuestro Star-Lord, el árbol parlante The Groot, el mapache humanizado y genio electrónico Rocket (con la notable voz “actuada” de Bradley Cooper), el cabeza de músculo Drax el Destructor y, claro, la chica de la banda: Zoe Saldana, quien cambia el azul de ‘Avatar‘ por el verde sexy de su rol, Gamorra.
Guardianes de la Galaxia‘ podía haber sido una película más de efectos especiales y de superhéroes y de salvar el mundo, la galaxia o el universo. Pero por la gracia de un director despierto como James Gunn, de una estrella que nace como Chris Pratt y de una batería de buena bromas y tallas, como cuando sale a la luz ‘Footlose‘, sí, la película ‘Footlose‘ y Kevin Bacon, instalan a esta franquicia recién salida del horno como el mejor soporte de este nuevo Han Solo y sus amigos.